Las diez mejores películas de mi vida: 6. Forrest Gump

Hay películas que se quieren con cierta vergüenza. Forrest Gump es la mía. Cuando la mencionas en una conversación de cinéfilos, los hay que arrugan la nariz: "demasiado sentimental", "conservadora", "lo opuesto a Pulp Fiction, que era la otra candidata al Oscar y debería haber ganado". Y cada uno tendrá su parte de razón. Pero cuando yo veo Forrest Gump, caigo entero, todas las veces. Y, treinta años después, sigue funcionando. Por eso ocupa la sexta posición de esta serie.

Esta es la sexta entrega. Si estás llegando por primera vez, recomendable leer primero la número uno. La serie va de la uno hacia abajo. Las cinco anteriores están publicadas y enlazadas entre sí.

La pluma volando

La primera y última escena de Forrest Gump es una pluma blanca flotando. Empieza en lo alto del cielo de Savannah, baja despacio, va virando con la brisa, se posa al lado de un banco en el que está sentado un hombre con un traje claro y una caja de bombones en el regazo. Y, al final de la película, la misma pluma se va flotando hacia arriba otra vez, mientras el hombre (ahora visto desde abajo) deja de mirarla y se va.

Esa pluma es la imagen de toda la película. Es la metáfora visual de una vida que no se controla del todo, que va donde la lleva la brisa, pero que es libre en su movimiento. Forrest Gump, el personaje, no es el dueño de su vida en el sentido convencional. No tiene proyectos, ni plan de carrera, ni estrategia personal. Le pasa lo que le pasa, y él responde a cada cosa con honestidad, sin reflexionar mucho sobre el sentido último. La pluma se posa, la pluma se va.

La pregunta filosófica que la película plantea, sin pretensión académica, es si esa forma de vivir es mejor o peor que la otra. La otra es la de Jenny, el otro personaje central: una mujer que sí quiere controlar su vida, que va detrás de ideas, de movimientos políticos, de relaciones difíciles, de drogas, de escenarios, de huidas. Forrest y Jenny, las dos vidas paralelas que se cruzan a lo largo de cuatro décadas, son la dialéctica completa de la película.

Y, sin que la película tome partido explícito, sí toma partido sutil. Forrest, al final, está mejor. No por inteligencia, no por mérito, no por estrategia: simplemente, está mejor. Jenny ha muerto. Forrest es padre. Lo que queda de Jenny vive en el niño que cría Forrest.

¿Eso es una defensa conservadora de la vida sencilla frente a la vida ambiciosa? Para muchos, sí, y desde ahí se ha criticado a la película desde su estreno. Yo tengo otra lectura, más amable: no es una defensa de lo sencillo frente a lo ambicioso; es una defensa de la coherencia interna frente a la dispersión. Forrest hace siempre lo que cree que toca, sin desviaciones. Jenny hace siempre lo contrario de lo que quiere realmente, en un patrón compulsivo de autodestrucción. La película no premia la sencillez: premia la coherencia. Y eso es una cosa distinta.

El argumento, sin spoilers nuevos para nadie

Por si entras frío, aunque a estas alturas casi todo el mundo conoce el contorno: Forrest Gump es un hombre del sur de Estados Unidos, nacido en los años cuarenta, con un coeficiente intelectual que la película sitúa por debajo del umbral oficial pero que no le impide vivir y trabajar. La película es el recorrido de su vida, contado por él mismo desde un banco en una parada de autobús de Savannah, a quien quiera escucharle (varios desconocidos van pasando por el banco). Forrest cuenta, sin orden estricto y entre bombones, su vida: la niñez con cojeras y aparatos en las piernas, el descubrimiento de que podía correr más rápido que nadie, la beca universitaria de fútbol americano, la Guerra de Vietnam, el regreso, el bambú de fortuna en una empresa de gambas, el inversor accidental en Apple, las décadas posteriores, y a Jenny, la chica del bus escolar que se sienta a su lado y a la que ama toda la vida.

Es una crónica personal de la segunda mitad del siglo XX americano desde el punto de vista de un hombre que no termina de entender lo que está pasando alrededor pero que igualmente está ahí, en medio de los acontecimientos. Esa lectura "histórica" de la película (Forrest como cápsula del tiempo paseándose por la historia reciente de su país) es una de las cosas mejor resueltas del guion.

Tom Hanks: la mejor interpretación de su carrera

Tom Hanks tenía una carrera consolidada antes de Forrest Gump: comedias de los ochenta, Big, Despertares, Filadelfia (Oscar el año anterior, 1993). Pero es Forrest Gump la que lo coloca en el lugar especial donde aún está hoy: el de actor americano por antonomasia, el de el James Stewart de su generación.

Lo que hace Hanks con Forrest es una de las grandes interpretaciones del cine americano. No por la imitación: el acento sureño, la cadencia lenta, los gestos. Eso lo hace bien pero no es lo extraordinario. Lo extraordinario es que construye al personaje desde la dignidad, no desde la lástima. Forrest no es un personaje al que el espectador deba mirar desde arriba, con condescendencia, como un pobre tonto del pueblo. Es un personaje al que el espectador termina mirando a la altura, e incluso a veces desde abajo, porque su forma de tomar decisiones revela cosas que los listos no entendemos.

Hanks juega con eso. Tiene escenas en las que Forrest dice algo que parece tonto y que, a la luz de los eventos posteriores, resulta haber sido más sabio que toda la sabiduría convencional. La famosa frase de su madre, "la vida es como una caja de bombones: nunca sabes lo que te va a tocar", parece simpleza. Pero, dicha en el contexto y la cara de Forrest, funciona. Es filosofía operativa, no consigna.

Y hay momentos donde Hanks se contiene completamente. La escena en la que Jenny le pide en una cama "hazme el amor" y Forrest tiembla por dentro pero apenas reacciona por fuera. La escena del entierro de Jenny. La escena en la que descubre que tiene un hijo. La escena del primer encuentro con su hijo. En todas ellas, Hanks no actúa "emocionado": actúa lo que el personaje siente, traducido al lenguaje del personaje. Y Forrest no llora gritando. Llora despacio, casi sin mover la cara.

Es una lección de respeto al personaje: no usar al personaje para que el actor luzca, sino servir al personaje incluso cuando el papel pide silencio.

Robin Wright y la tragedia de Jenny

Robin Wright como Jenny es el otro pilar de la película, y la actuación menos comentada de las dos. Jenny es un personaje difícil: una mujer víctima de abusos en la infancia (la película lo cuenta de pasada pero con claridad suficiente), que crece intentando huir de su pasado pasando por todas las contraculturas de los sesenta y setenta (hippy, drogas, política radical, cantante de bar nudo, relaciones tóxicas). El personaje podría haber caído fácilmente en el cliché. Wright lo salva dándole una mirada de profunda tristeza en cada escena, incluso cuando ríe.

Hay una escena, en una habitación de hotel en Washington, donde Jenny se asoma al balcón y mira hacia abajo. La película no subraya nada, pero el espectador entiende qué está pensando. Y entiende, sin que se diga, que es una mujer que carga con demasiado peso para una sola vida. Esa escena, sin diálogo, es una de las más duras de la película. Y la hace Wright sin lágrimas, sin gestos, solo con la espalda.

Lo más interesante del personaje de Jenny no es su trayectoria sino cómo encuentra paz al final. Vuelve al pueblo, vuelve con Forrest, se sienta a leer en el porche, se sienta con su hijo, se sienta debajo del árbol del que se caía de niña. No por madurez intelectual, sino por agotamiento. Y la película no la juzga. La acoge. Y eso, en una época donde el discurso dominante era "lucha siempre por tus sueños", es valiente: la película dice que a veces volver al sitio del que querías huir es la mejor decisión.

Eso, a los cincuenta y muchos, con una vida hecha, con tres hijas, en la Costa del Sol, me llega. Yo también he hecho la traveseira del éxito profesional fuera y la vuelta a casa, en mi versión más modesta. La película de Jenny y su vuelta a Greenbow, Alabama, no es ajena a esa experiencia.

La banda sonora: el disco recopilatorio de tu juventud

Una mención obligada: la banda sonora compuesta original es de Alan Silvestri, con un tema principal simple, tres notas de piano, repetido con variaciones, que volvió a la moda los temas minimalistas en cine. El tema funciona como la pluma: liviano, repetitivo, hipnótico.

Pero la banda sonora "real" de la película es una recopilación de canciones de los sesenta, setenta y ochenta, que acompañan los distintos capítulos de la vida de Forrest. Elvis, Bob Dylan, Joan Baez, Creedence Clearwater Revival, The Doors, Jimi Hendrix, Lynyrd Skynyrd, los Beach Boys. Cada época histórica viene con su música. Y para cualquiera que haya vivido esas décadas (o que las haya conocido a través de sus padres), es un viaje sentimental además de un viaje cinematográfico.

Esa banda sonora se hizo doble álbum y vendió millones. Y, en cierta medida, definió cómo se montaban las películas con bandas sonoras compiladas en los noventa. Quentin Tarantino había hecho algo parecido con Pulp Fiction (la otra gran candidata del año) pero en otro registro. Cameron Crowe lo perfeccionó con Casi famosos. Pero la mecha la había prendido Zemeckis con Forrest Gump.

La proeza técnica

Hay una capa de Forrest Gump que ha envejecido sorprendentemente bien: la técnica. La película usa efectos digitales para insertar a Tom Hanks en imágenes históricas reales (con presidentes Kennedy, Nixon, Johnson), para borrar la pierna de Gary Sinise como teniente Dan, para crear el plumón inicial. En 1994, esos efectos eran rompedores. Treinta años después, siguen siendo creíbles, lo cual no se puede decir de la mayoría de efectos de la misma época (muchos han envejecido fatal: ver Twister, por ejemplo).

Robert Zemeckis era ya, en ese momento, el director con más experiencia en mezclar imagen real y efectos digitales (venía de Quién engañó a Roger Rabbit y de la trilogía de Regreso al futuro). En Forrest Gump hizo el salto a serio: efectos al servicio del personaje, no del espectáculo. Eso es lo que ha hecho que la película envejezca bien. No se ve "vieja" cuando la vuelves a poner en 2026.

La cuestión Vietnam

Una de las partes más comentadas de la película es el bloque de Vietnam. Forrest es enviado al frente como soldado, sobrevive a una emboscada, salva a varios compañeros (incluyendo al teniente Dan, encarnado por Gary Sinise en lo que sigue siendo posiblemente su mejor papel), recibe la Medalla de Honor del Presidente. Y luego vuelve a Estados Unidos, donde el contexto es la oposición creciente a la guerra, los movimientos pacifistas, los hippies.

La película toma una posición ambigua sobre Vietnam. Por un lado, retrata al soldado americano de Vietnam con respeto, sin caer en el estereotipo del veterano traumatizado violento (aunque el teniente Dan sí encaja en parte en ese arquetipo). Por otro lado, muestra a los manifestantes pacifistas como gente legítima, con sus razones. Y, en el medio, Forrest, que ni opina ni juzga. Eso es lo que ha enfadado a parte de la crítica desde el estreno: la película se niega a tomar partido, lo cual a unos les parece prudente y a otros les parece una cobardía moral.

Mi lectura es la primera. La película no tiene que tomar partido sobre Vietnam: Vietnam no es su tema. Su tema es Forrest. Y Forrest no toma partido sobre Vietnam porque Forrest no toma partido sobre casi nada. Eso es coherente con el personaje. Si la película hubiera metido en boca de Forrest un discurso pro-bélico o anti-bélico, habría traicionado al personaje. Su silencio político es su política.

Lo que sí toma la película es un partido humano: que los soldados que volvieron de Vietnam merecen respeto sea cual sea tu posición política. Eso, en 1994, no era trivial. Y el personaje del teniente Dan, su rabia, su recuperación, su matrimonio final con una mujer asiática, es una de las arcos secundarios mejor hechos del cine americano de los noventa.

¿Es una película conservadora?

Esta es la gran pregunta crítica sobre Forrest Gump. Que la película ha sido leída como conservadora desde su estreno es un hecho: defiende la familia, defiende el ejército, defiende el trabajo duro, defiende la fidelidad, y muestra a los movimientos contraculturales como caóticos y autodestructivos. Esa es una lectura legítima.

Pero hay otra lectura. La película es generosa con todos los personajes: Jenny, que es todo lo contrario a Forrest, recibe la misma cantidad de empatía y de cariño narrativo. El teniente Dan, que es un veterano lleno de rabia, recibe respeto y curación. Bubba, el amigo afroamericano de la unidad, es uno de los personajes más entrañables de la película. La amistad entre Forrest y Bubba rompe la línea racial sin hacer un discurso sobre ello. La madre de Forrest, soltera, criando a un hijo solo en el sur en los años cincuenta, es una figura de fuerza increíble. Y la película no juzga a Jenny ni siquiera cuando muere.

Esa generosidad, esa falta de juicio moral, es lo que me hace pensar que la lectura "conservadora" de la película es parcial. Sí, la película valora ciertas cosas más que otras (la coherencia, la lealtad, la familia, la dignidad del trabajo) que se asocian al pensamiento conservador. Pero valora a todos los personajes por igual, sean cuales sean sus elecciones. Y eso, en términos políticos, no es conservadurismo, es humanismo.

Es la misma lectura que hago, por cierto, de El padrino: que valorar la familia no es lo mismo que promover un orden social específico.

Lo personal: lo que me ha enseñado

A los treinta y pocos, cuando vi por primera vez Forrest Gump, me parecía sobre todo un cuento estadounidense: con presidentes, banderas, sentimentalismo. La disfruté pero la situé lejos.

A los cincuenta y muchos, la veo distinta. La veo como un cuento sobre la coherencia. Sobre cómo se construye una vida cuando uno no es brillante, no es ambicioso, no es estratégico, y aun así puede tener una vida llena. Forrest no tiene plan. Va respondiendo a lo que le pide cada momento. Y, mirado al final, ha tenido una vida más rica que la mayoría de gente "exitosa" que conoce.

Eso, ahora, me reconforta. Porque yo, en mi escala mucho más modesta, también he intentado vivir así: respondiendo a cada momento sin un gran plan, intentando hacer bien lo que toca, intentando estar presente con quien hay que estar presente, intentando ser fiel a las pocas cosas que me importan. Y eso, en 2026, mirando atrás, me parece más sabio que las trayectorias planificadas de muchas personas alrededor.

Forrest no me ha dado un modelo de vida, claro. Pero sí me ha dado un permiso: el de no avergonzarme de no haber tenido grandes ambiciones, el de no sentir que he "perdido" porque otros han llegado más lejos en términos de marca, fama o dinero. No todo el mundo necesita ser Steve Jobs. Algunos podemos ser Forrest Gump. Y eso, mirando alrededor, no es mal sitio donde estar.

La crítica más dura: ¿por qué Forrest siempre tiene suerte?

Una crítica que ha durado treinta años: Forrest tiene demasiada suerte. Sale ileso de Vietnam, gana medalla, conoce presidentes, se hace rico por casualidad, encuentra a su madre antes de que muera, encuentra a Jenny en los momentos clave, descubre que tiene un hijo, hereda el negocio del bambú. La película encadena casualidades buenas sin acuse de recibo.

Mi respuesta: sí, y precisamente eso es la idea. La película es una fábula, no un retrato realista. Y, como toda fábula, acumula casualidades buenas en su protagonista para iluminar un mensaje. Si Forrest fuera un personaje realista con suerte estadística normal, la película no funcionaría, porque entonces solo veríamos a un hombre con discapacidad intelectual al que la vida pasa por encima. La película necesita la suerte para que su mensaje sobre la coherencia interna se pueda transmitir. Es la lente que permite ver lo que la película quiere que veas.

Si esto te parece tramposo, no te va a gustar la película. Si te parece decisión estilística legítima de una fábula, te va a llegar.

A quién se la recomiendo

Se la recomiendo a:

• Quien haya tenido alguna vez complejo de inferioridad (académico, profesional, social). Forrest es el antídoto.
• Quien lleve años queriendo a alguien que no termina de quererte como tú querrías. La historia de Forrest y Jenny es la radiografía de eso.
• Quien tenga un hijo o hija. La escena de Forrest viendo a su hijo en el salón por primera vez es una de las mejores escenas de paternidad del cine moderno.
• Quien necesite acordarse de cómo era la cultura popular americana antes de internet. Esta película es una cápsula del tiempo perfecta.

No se la recomiendo a:

• Quien sea hipersensible al sentimentalismo de Hollywood. La película tiene su cuota, sin disimular.
• Quien viva mal la mezcla de ficción y realidad histórica. Si te chirría ver a Tom Hanks dándole la mano a Kennedy con efectos digitales, no la disfrutarás.
• Quien venga buscando una película sobre Vietnam en serio. Para eso están Apocalypse Now, La chaqueta metálica, Platoon. Forrest Gump usa Vietnam como capítulo, no como tema.

Cómo verla

Doblada o subtitulada, da igual. Por una vez en esta serie, no me sorprende. La doblada al español es decente y el acento sureño de Hanks, aunque memorable en versión original, no es decisivo para la película.

No la veas con prisas. Dura dos horas y media largas. Te pide entrega.

Si la vas a ver con un hijo o hija, está bien a partir de los doce o trece años. Hay temas adultos (drogas, violencia de guerra, abusos en la infancia retratados sin explicitar) pero la película los aborda de forma no traumática. Es una buena puerta de entrada al cine americano de los noventa.

Y, si la has visto, vuélvela a ver a otra edad. Te va a sorprender lo distinta que es a los cincuenta de como era a los veinte.

Lo que viene en la serie

El próximo es el día 29, la número 7. Cambio de tono drástico: una película sobre el Holocausto, esta vez sin comedia, dirigida por uno de los grandes directores americanos vivos. Casi una hora más larga que Forrest Gump, en blanco y negro, con una escena en color que es de las más famosas del cine moderno. Si lo adivinas, sí. Si no, sorpresa el día 29.

Hasta entonces.